¿Por qué la fotografía "pura" desplazó al pictoralismo tan completamente?

Originalmente, los primeros fotógrafos estaban más preocupados por la ciencia y la tecnología de la fotografía que por el arte, y los resultados fueron en gran medida asuntos secos de apuntar y disparar.

Esto cambió relativamente rápido, y uno de los primeros movimientos importantes fue el pictorialismo fotográfico representado por grupos como la Photo-Secession . La idea general de este movimiento es que las fotografías se convierten en arte por acto intencional de la creación del fotógrafo, en lugar de simplemente representar lo que está frente a la lente. Esto generalmente implica una puesta en escena cuidadosa y una foto-manipulación.

Este movimiento fue efectivamente aplastado por la fotografía recta , como lo defendieron Ansel Adams, los Weston y sus amigos; la idea básica es simplemente que una fotografía "pura" podría ser un arte por méritos propios; que grabar lo que estaba frente a la lente con habilidad técnica (incluida, por supuesto, la composición y el tiempo) es la verdadera clave de la fotografía como una forma de arte.

Esta idea tuvo mucho éxito, y el movimiento pictoralista como tal murió en la primera mitad del siglo XX. ¿Fueron los fotógrafos heterosexuales simplemente tan exitosos en entregar su mensaje que los pictoralistas se volvieron irrelevantes? ¿Fue el momento histórico del siglo XX? ¿O algo mas?

Ahora, en la era digital, con todos un fotógrafo y una habilidad técnica nivelada por modos automáticos excelentes, ¿resuena nuevamente el mensaje del movimiento pictoralista? O, por el contrario, ¿la facilidad con que el software convierte las fotografías en un "arte digital" manipulado significa que la visión pura de la fotografía directa es más importante para la fotografía como una forma de arte separada?

Así que todos estamos en la misma página, aquí hay una definición de pictorialismo :

Por lo general, una fotografía ilustrada parece carecer de un enfoque nítido, se imprime en uno o más colores distintos del blanco y negro (que van del marrón cálido al azul profundo) y puede tener pinceladas visibles u otra manipulación de la superficie. Para el ilustrador, una fotografía, como una pintura, un dibujo o un grabado, era una forma de proyectar una intención emocional en el reino de la imaginación del espectador.

Un ejemplo:

El cuenco negro, 1907. George Seeley. Fuente

Mi opinión: una nueva tecnología, un nuevo medio para contar historias, intenta ganar aceptación emulando algo más que ya existe, en este caso pinturas. En algún momento se acepta el nuevo medio y ya no necesita emular a nadie.

No creo que necesitemos más que esto para explicar el auge del pictorialismo ("mira, podemos hacer que una foto se vea casi como una pintura") así como la caída ("no importa, centrémonos en lo que la fotografía puede hacer eso la pintura no puede ").

Incluso podría explicar por qué la pintura se volvió abstracta en defensa propia :)

Wikipedia sobre arte abstracto :

El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, apuntalado por la lógica de la perspectiva y un intento de reproducir una ilusión de realidad visible.

Podría decirse que las habilidades para reproducir la perspectiva y la realidad a mano se volvieron menos valiosas cuando los fotógrafos podían hacerlo mejor simplemente con el clic de un botón. Así que la pintura defendió su territorio desestimando el aspecto de "reproducir la realidad" y subiendo el aspecto de "interpretación artística", a través del impresionismo, el expresionismo, el cubismo, etc.

Inicialmente, la fotografía trató de seguir, ya que la pintura todavía era el rey de la colina del mundo del arte. Ahí es donde entró el pictorialismo.

Wikipedia describe la fotografía directa como un movimiento estético que se extiende desde aproximadamente 1880 hasta 1970. En la década de 1930 se definió como

La fotografía pura se define como que no posee cualidades de técnica, composición o idea, derivada de cualquier otra forma de arte.

Entonces, la fotografía directa podría describirse como el movimiento de independencia de la fotografía, esencialmente afirmando que la fotografía es una isla, en sí misma, y ​​no necesita ninguna influencia apestosa de otras formas de arte.
Supongo que el éxito fue parte de la comprensión de que perseguir la pintura era bastante inútil, especialmente cuando la pintura se retiraba a un terreno más alto (más abstracto); parte de la comprensión de que había mucho territorio inexplorado dentro de la fotografía básica; parte replantear un territorio hogareño defendible basado en las fortalezas naturales de la fotografía en comparación con la pintura. Y, por supuesto, directamente desde la cámara es mucho menos trabajo que una manipulación pesada, especialmente teniendo en cuenta las herramientas de la época.

En la era digital, no creo que haya mucha resonancia con el mensaje pictórico como tal. Los ilustradores intentaban hacer "podemos parecer una pintura si queremos" en un momento en que la pintura era el pináculo del esfuerzo artístico.

En la era digital, la fotografía ya es aceptada y ha demostrado su independencia, y hay géneros de pintura donde la influencia va en la dirección opuesta, como el fotorrealismo en la década de 1960 y el hiperrealismo en la década de 2000 .

En la era digital, un fotógrafo artístico probablemente querrá hacer algo diferente del pasado, al igual que un pintor contemporáneo probablemente no tratará de emular la pintura del siglo XIX. No hay mucha gloria en copiar a Ansel Adams 50 años después. Los fotógrafos de hoy tienen herramientas para hacer cosas que Ansel Adams no pudo hacer, y sería una tontería no usarlas.

En el futuro, espero que la fotografía tome prestada en gran medida y posiblemente se mezcle con formas de arte como películas, videos y gráficos por computadora. Es una evolución natural: si aceptamos la fotografía como narración de historias, más herramientas para contar una historia de la manera que queremos que se cuente solo pueden ser una mejora.

Creo que es importante reconocer que la fotografía directa no tiene nada de especial: fue un movimiento estilístico particular con gran impacto histórico, pero no hay nada que diga que es la única forma de hacer fotografía. Compárese con la pintura, que ha tenido cientos de movimientos estilísticos a lo largo de los siglos, cada uno de ellos de moda a medida que la tecnología, la sociedad y los gustos cambian. No se trata de tener más o menos razón, solo se trata de estar más o menos de moda en un lugar determinado en un momento dado.

Nada de esto invalida la fotografía directa, como tampoco el arte abstracto o la fantasía invalidan el realismo. Son simplemente diferentes formas de expresión, diferentes géneros, y muy bien pueden coexistir pacíficamente.

Quitemos la gran pregunta pendiente desde el principio: la idea de que la "fotografía directa" (lo que se supone que significa) es el único uso legítimo para las herramientas de fotografía es tan tonta y miope como el idea de que el expresionismo abstracto es el único uso artístico legítimo para la pintura. Ambos elevan el mero medio al estado de Arte y luego reclaman exclusividad sobre ese medio. El expresionismo abstracto da a la pintura y su método de aplicación primacía sobre todo lo demás; La "fotografía directa" se deleita con la idea de que hace casi 200 años la humanidad descubrió una forma de hacer que las sombras fueran más o menos permanentes. Gran y peludo trato en ese momento. La novedad ya debería haber desaparecido.

Todo arte es contar historias. ¿Y sabes qué? A veces, la historia puede ser tan simple como: "Vi esto y me conmovió mucho". O incluso, "esto existió". No hay nada fundamentalmente malo con una oda en el color rojo, una expresión de cuán grandiosa o intrincada puede ser la naturaleza, o simplemente arreglando un recuerdo de cómo se veía su hija a la edad de seis años. Pero el documental es solo un uso rudimentario del lenguaje de la fotografía, y ese lenguaje ha progresado del pidgin al criollo. Hay un vocabulario mucho más amplio disponible ahora que nunca antes, y la gramática nos ofrece mucho más que un tiempo presente telegráfico vinculado al contexto. Podemos hacer poemas, escribir novelas y explorar "qué pasaría si", entonces, ¿por qué limitarnos a un periodismo magistralmente escrito?

La encarnación original del pictorialismo (y sus descendientes en el mundo basado en la plata) se vio obstaculizada de muchas maneras. Las dificultades técnicas involucradas en la creación de algo que nunca fue solo son superficialmente obvias para la mayoría de las personas hoy en día (hasta que haya pasado tiempo trabajando con lápices afilados, un pincel mable 6-0 o un aerógrafo Pasche Turbo debajo de una lupa, tiene ni idea), y el acto de componer los elementos fue casi simple en comparación con el acto de capturarlos. La mayor parte de lo que se produjo fue técnicamente malo, y la única razón por la que gran parte llamó la atención fue porque la gente no estaba familiarizada con el medio: simplemente no sabían cómo "leer" una fotografía. (¿Te imaginas a alguien cayendo por las hadas de Cottingley o el ectoplasma??) Para hacerlo bien, se requirió la construcción de escenarios, vestuario, iluminación cooperativa, enormes cantidades de tedioso trabajo de posproducción (sin errores) y permanecer en gran medida dentro del ámbito de lo que era físicamente posible (poses que podrían realizarse para varios segundos, etc.) Como tal, se refería principalmente al "arte serio" y las "grandes ideas", pero tenía el vocabulario de un pidgin y una gramática que se basaba principalmente en la alusión (como el Tamarian del episodio de Star Trek TNG Darmok) Si no sabías qué significaban los disfraces y el conjunto como iconos, y no reconocías la pintura de fondo como, por ejemplo, los Campos Elíseos, entonces solo podías juzgar el trabajo por su propio mérito estético: el mensaje subyacente se perdió . Era muy parecido a mirar la pintura medieval temprana sin conocer la iconografía del gesto o que ese águila de allí es San Juan Evangelista.

Bueno, mucho más que humanos y caballos murieron en la Primera Guerra Mundial. La sabiduría de los ancianos, los clásicos (sobre los que se criaron los burros que llevaron a los leones a la muerte), los mismos dioses perecieron en el barro de No La tierra del hombre. El significado perdió su significado¹, y comenzamos a explorar la naturaleza misma del significado en Dada, el surrealismo, la semiótica y todas las otras vías de acercamiento que finalmente se unieron en la posmodernidad. El mundo se volvió hacia lo inmediato, el ahora, con la sensación de que el pasado ya no tenía sentido y que el mañana nunca podría llegar. Donde la naturaleza perduró, el romanticismo volvió a sus raíces con una nueva urgencia: la naturaleza era lo eterno que teníamos el poder de terminar; fuimos responsables de su salvación porque de lo contrario seríamos su muerte, y tuvimos que aprender a mantenerlo asombrado. (Y no se equivoquen, Ansel Adams no era realista clínico; todo lo que hizo fue ingenioso y exagerado para expresar su asombro, de la misma manera que su forma de tocar el piano sufría un exceso de dinámica y rubati. Era un romántico sin remedio.)

Gran parte de esto coincidió con importantes avances tecnológicos. Los diseños prácticos de doble Gauss desplazaron en gran medida los lentes Petzval, e incluso los diseños posteriores transformaron las capacidades de la cámara; placas y películas que eran razonablemente sensibles, razonablemente capaces de contener detalles y emergieron ortocromáticos o pancromáticos de gran alcance. No solo podrías tomar una foto que fuera "real" y "ahora", sino que se hizo mucho más difícil crear una falsa convincente. El trabajo se vería, y sería obvio. Con suficiente esfuerzo, podría construir lo "imposible" como un conjunto y quedarse con lo que fue, por el momento, un retoque mínimo ( Dali Atomicusme viene a la mente), o podría intentar el ensamblaje (que generalmente resultó ser una pintura en lugar de una fotografía; encuentro expresiones "puramente fotográficas" del concepto, como el trabajo de Jerry Uelsmann, absolutamente poco convincente la mayor parte del tiempo). Aún así, alguna cantidad de fibbing, o alguna habilidad para contar historias mezclada con el reportaje, siempre ha sido algo bueno. Hay una razón por la que todos conocen a Ansel Adams y Edward Weston, pero muy pocos han oído hablar de Minor White (que podría trapear el piso con cualquiera de ellos como operador de cámara y técnico de cuarto oscuro).

A pesar de la legitimidad de la "fotografía directa", ahora tenemos las herramientas a nuestra disposición para contar diferentes tipos de historias de una manera verdaderamente convincente. Algunas de esas historias son fantasía, mito o ciencia ficción; algunos exploran el "por qué no" en lugar del "por qué". ¿Realmente necesitamos construir grandes conjuntos o transportar a nuestros sujetos (y un camión cargado de equipos) a un lugar, con la esperanza de una confluencia de la luz correcta, el clima adecuado y la luna en Capricornio para que la expresión sea legítima? ¿O es simplemente ilegítimo utilizar el realismo de la reproducción fotográfica de los diversos elementos que podrían fotografiarse para expresar esa historia?

No dejes que el hecho de que el 90 por ciento de los intentos sean basura te moleste. Eso es solo la Ley de Sturgeon en acción. (Francamente, creo que el viejo Theodore estaba siendo demasiado generoso allí). Al menos el 90% de la "fotografía directa" (y quiero decir "fotografía directa seria") también es basura, y digital más "P for Professional" no lo es No estoy ayudando en absoluto. Entonces la basura está enfocada y bien expuesta (por algún valor de bien expuesta). Las historias bien contadas seguirán destacando; la poesía elegante aún resonará más profundamente que un limer vagamente travieso. El trabajo de Jamie Baldridge es más inquietante y estimulante como fotografías trabajadas que como una pintura; Las silenciosas contemplaciones de John Paul Caponigro susurran más suavemente, pero con más enunciación.

Al final, las historias que eliges contar son tuyas. La idea de que no se puede acuñar una nueva palabra o frase cuando se solicita, o tomar prestada una palabra de otro idioma, es una imposición artificial, ya sea impuesta externa o internamente. Nadie obliga a los historiadores a escribir ciencia ficción, pero ningún historiador tiene derecho a decir que la ciencia ficción es de alguna manera una expresión ilegítima del pensamiento humano.

^{¹ ¿Cuán completa fue la muerte de la alegoría y la alusión clásicas? The Waste Land de TS Eliot era legible por la mayoría de sus compañeros y contemporáneos; Los niños de hoy que lo estudian en la escuela necesitan notas al pie y referencias para buscar las alusiones bíblicas y mitológicas, y pueden tener que leer libros enteros para llegar al significado.}

Desarrollo de la fotografía: de la ciencia al arte.

Hay dos tipos de personas en la fotografía. Los que quieren tomar fotografías y los que quieren crear arte. Cuando la fotografía era joven, solo participaban las primeras personas mencionadas. No estaba en el concepto, que las fotografías pudieran usarse en el arte. Hasta que esas personas, que también querían decir algo, para crear arte, encontraban interesante la fotografía.

El pictorialismo no tiene nada que ver con el arte per se. Fue un intento de definir qué es el arte en la fotografía, en un momento en que la fotografía aún era nueva. Pero el arte es lo que sentimos, no las herramientas utilizadas, y la fotografía pronto fue aceptada (solo 100 años) como una herramienta para crear arte, lo que hizo que la idea detrás del pictorismo fuera inútil. Entonces, la pregunta es sobre qué cambió en la fotografía para convertirla en una herramienta para el arte.

Herramienta documental comienza a ver belleza

Piense de nuevo en lo que era antes del tiempo de la cámara y las fotografías. Era la época de los pintores, y especialmente de los pintores de retratos. La primera "guerra" no fue entre fotógrafos, sino entre pintores y fotógrafos. Los pintores se ganaban la vida con retratos de personas ricas. Era un peligro para el pintor cuando la fotografía comenzaba a tomar parte en el negocio del retrato.

Uno de los argumentos de los pintores fue que una fotografía directa no puede hacer que el sujeto se vea mejor. Que un pintor es el único capaz de halagar al sujeto y hacerlo recordar de manera favorable para siempre, ya que solo los pintores pueden torcer y girar las imágenes como lo deseen. La fotografía buscó formas de responder a ese desafío, y así es como veo que surgió este pictorialismo. Pero los fotógrafos heterosexuales solo necesitaban aprender cómo hacer que sus sujetos se vean bien, sin manipulación "artística".

Camino a la fotografía independiente de adultos

..el movimiento pictoralista como tal murió en la primera mitad del siglo XX. ¿Fueron los fotógrafos heterosexuales simplemente tan exitosos en entregar su mensaje que los pictoralistas se volvieron irrelevantes?

El pictorialismo era la forma de aceptar la fotografía como una forma de crear arte. En otras palabras, buscaba aceptación con disculpas silenciosas por invadir el vecindario del arte con una herramienta documental.

En este caso el barrio fue pintado de arte. Una fotografía está tan cerca de una pintura como un medio, que un efecto New-kid-on-the-block fue inevitable. Tienes que demostrar tu valía. Al igual que con las pinturas de retratos versus las fotografías de retratos, en general es como los pintores que dicen "No puedes hacer ESTO" y obtienen la respuesta del fotógrafo "Sí, puedo" y luego se muestra un alarde. Ese es el pictorialismo, o más bien, ese es el "Por qué" detrás de todo lo demás. Y también está la respuesta a "¿Por qué el pictorismo murió tan rápido?". Sucede tarde o temprano¿Y qué es esto? ¡Es fotografía recta! Una imagen pura de píxeles de la realidad. Y así, la fotografía se convierte en un adulto adulto y pasa a vivir su propia vida independiente sin más necesidad de demostrar nada.

Los viejos siempre son desafiados por los jóvenes.

¿Pero todavía está aquí el pictorialismo? Sí, si pensamos en los fotógrafos más jóvenes que demuestran su valía a los fotógrafos antiguos. Sin embargo, no lo llamaría pictorialismo. Las personas que solo han hecho digital a menudo no pueden imaginar las dificultades que hubo en la fotografía en película. No hace mucho tiempo eran (y todavía lo son) los digitales que necesitaban demostrar su valía a sus compañeros de cine. El debate entre lo viejo y lo nuevo es eterno y lo que ahora es nuevo envejecerá o perderá el debate y morirá joven.

En fotografía, la palabra clave es "aprendizaje". La idea es algo similar a Q&A es difícil, vayamos de compras en el sentido de que es difícil obtener alta habilidad y talento para hacer que su sujeto se vea bien en la fotografía directa, pero es razonablemente fácil ir a comprar un mejor equipo y un software potente con el que para alterar sus fotografías para llenar el vacío entre una foto en bruto y sus expectativas.

¿Qué sigue, la fotografía?

¿La facilidad con la que el software convierte las fotografías en "arte digital" manipulado significa que la visión pura de la fotografía directa es más importante para la fotografía como una forma de arte separada?

No estoy seguro si entiendo eso. La fotografía es una forma de arte, ya sea manipulada y distorsionada, o simplemente fotografía directa. ¿Qué es realmente el arte digital?

Lo que considero arte digital es algo que obviamente no es solo una fotografía, que cualquiera puede verlo. Puede haber una fotografía en la que se haya realizado el trabajo, pero aún se consideraría arte digital en lugar de arte fotográfico.

Dos fotos de ejemplo:

Esta es una fotografía . Directamente desde la tarjeta de memoria de la cámara, no he hecho ningún tipo de ajuste. Podemos llamarlo una fotografía "pura", si no contamos la magia que hace una cámara digital cuando extrae la información de píxeles del sensor de imagen.

Próximo:

Esto es arte digital , hecho por mi hijo de 11 años, que quería darme su impresión de la fotografía que tomé de su hermana de dos años. Claro que hay una fotografía allí, pero obviamente pertenece a la categoría de arte digital.

¿Es la fotografía inalterada solo recta?

¿Dónde dibujar la línea, exactamente? Hay buenos ejemplos del poder del postprocesamiento bajo los Buenos ejemplos de las ventajas de RAW sobre JPEG y especialmente una de las respuestas con un par de fotos de @EtienneT. ¿Por qué la foto ajustada no sería arte fotográfico en lugar de arte digital? Para mí, sigue siendo una fotografía, incluso con todos los ajustes realizados.

¿No hemos hecho este trabajo de ajuste en nuestras fotografías desde el principio? Mire este video de hacer una impresión en blanco y negro donde la niña comienza a las 9:00 minutos con el "original" y explica el proceso de "ajuste" para los próximos cuatro minutos del video. Este tipo de cosas se ha hecho para siempre. Solo que ahora es un software para hacer el trabajo. Después de todo, no existe una fotografía inalterada.

La fotografía se vuelve digital

Ahora, en la era digital, con todos fotógrafos y con habilidades técnicas niveladas por modos automáticos excelentes, ¿resuena nuevamente el mensaje del movimiento pictoralista?

Buena pregunta. ¿Qué es lo viejo y lo nuevo hoy? La fotografía digital es el New-kid-on-the-block, y ha estado tratando de verse tan bien como la fotografía de cine. Pero al mismo tiempo, la fotografía digital también es la antigua. Tal vez sean los viejos fotógrafos los que se molestan con la nueva y sencilla forma en que los jóvenes fotógrafos se acercan a la fotografía. De la misma manera que los pintores alguna vez sintieron sobre la fotografía.

Cuando surgen nuevas formas de crear arte, no significa que las viejas formas y herramientas se vuelvan menos importantes. Este no es un juego de suma cero.

Creo que fue realmente el desarrollo de la estética fotográfica. El trabajo inicial fue quizás crucial en su definición, pero se descubrió rápidamente que la composición y la selección del tema tienen más impacto en cómo la imagen cuenta una historia que los aspectos más laboriosos de la manipulación cuidadosa de la foto. Simplemente fue más rentable en términos de esfuerzo elegir el aspecto correcto de lo que está frente a la lente que intentar y controlar el desarrollo con tanta fuerza. También puede ser que debido a su realismo realzado, las fotos no resuenen de la misma manera que lo harían conceptos similares aplicados a la pintura.

Dicho esto, con el advenimiento de las herramientas digitales que permiten a los fotógrafos un mayor grado de control y capacidad para refinar su trabajo. Creo que estamos viendo un retorno diferente a algunos de los conceptos detrás de Photo-Secession. Cada vez se trata menos de capturar lo que está delante de la lente y más de mejorar lo que está delante de la lente o incluso de inventar algo que no existe, ya que se muestra a través de herramientas fotográficas. Todavía parece ser una mezcla en términos de popularidad, pero parece ser una tendencia creciente.

Nota de los curadores:

La erudición de esta pieza puede no haber sido reconocida. O mayo
El siguiente comentario sobre la pregunta parece ser inaccesible para algunas mentes y, tal vez, incluso para una mayoría sustancial. Puede que estos no sean los que desea, avance.
De lo contrario, como la primera de las "hace" es de

• Ahora, en la era digital, con todos fotógrafos y con habilidades técnicas niveladas por modos automáticos excelentes,
  ¿ resuena nuevamente el mensaje del movimiento pictoralista? O, por el contrario,
  ¿ la facilidad con la que el software convierte las fotografías en "arte digital" manipulado
  significa que la visión pura de la fotografía directa es más importante para la fotografía como una forma de arte separada?

el entrevistado lo ve como una verdad evidente, si no es una tautología absoluta, y como el segundo de los "sí-es" es similar, pero el "significado que" es negado, busca comentar en un ilustrado pero, probablemente, de manera poco clara sobre las motivaciones subyacentes que han dado vida a esta catástrofe, al tiempo que descarta la adulación de que la mera excelencia tecnológica es el motor detrás de la decadencia.

La oscura referencia al lema del condado de Clackmannanshire (a saber, "Mira sobre ti") es una mera afectación. El nuevo lema (2007 en adelante) "Más de lo que puedas imaginar", se ve a sí mismo como una indicación de que la podredumbre no se limita a la desfiguración de la forma fotográfica, sino que se ha extendido a los lemas del condado y otras áreas de expresión sacrosantas hasta ahora. Asi que ...

Guerras de pictorialismo: ¡ el Instagram contraataca!

Todavía estoy tratando de determinar qué:
modificaciones genéticas y / o
cirugía cerebral
y / o filtros y distorsores mentales u ópticos y
/ o aplicaciones / modos / complementos / ...
Necesito comprar / adquirir / ajustar / instalar / cargar / descargar / parche / ...
a mis sistemas de software (o cualquier otro sistema)

para permitirme ver el mundo y las imágenes de Instagram como otras personas las ven evidentemente
para que yo también pueda participar con abandono / alegría / placer / satisfacción en lo que hasta ahora parece principalmente una destrucción torcida sin sentido de la buena alimentación cerebral óptica cotidiana.

Photoshop al rescate - Todavía estoy trabajando en eso ...

Ansell Adams: Puede haber ido un poco lejos en la otra dirección. Quizás haya hecho trampa un poco por algunas medidas en un mal día. Tal vez no.

Re

Ahora, en la era digital, con todos fotógrafos y con habilidades técnicas niveladas por modos automáticos excelentes, ¿resuena nuevamente el mensaje del movimiento pictoralista?

Manifiestamente, sí. Mira sobre ti.
Pero, no, creo, debido a las razones que mencionas. O no como el factor predominante.

Sospecho que se trata más de una tendencia postmoderna, posmoderna y posmoderna de Gen XYZT, donde-tenemos-tenemos-a-gen-lo que sea-post-lo que sea tendencia a gratificación post-instantánea, post-live-for-the- día, después [Advertencia: se ha agotado el suministro de "-" s] si se trata de comida gelatinosa, publique a la generación joven a lo que ha llegado el mundo, en mi día cuesta arriba a la escuela en ambos sentidos al fondo de una caja de cartón del lago sin zapatos , murmurar gruñir ...., importa.

Al final del día, el arte exitoso es cualquier cosa que un número razonable de personas encuentre agradable, conmovedora e intrigante: inserte aquí su adjetivo positivo. Todo arte exitoso crea una emoción o un sentimiento en una persona y los hace querer mirar o experimentar el arte.

Según esta métrica, las imágenes digitales (que han cruzado la línea de ser fotografías debido a una manipulación excesiva) tienen todo el derecho y la posibilidad de ser arte. Solo necesitan tener éxito.

Personalmente, ese trabajo debe ser sorprendente antes de que resuene particularmente conmigo. Mi arte favorito está basado en la realidad. Un hermoso paisaje de Tom Thomson siempre me ha hablado más alto que nada abstracto. Eso no quiere decir que el arte abstracto no sea arte, absolutamente puede serlo, pero no resuena particularmente conmigo.

Por esta razón, fotográficamente siempre he estado en el campo de los ilustradores. Sucede que Ansel Adams es uno de los fotógrafos que más respeto. Ocurre que incluso hoy, en la era digital, filmo una gran parte de mi trabajo en la película, no porque la película sea necesariamente superior (es en algunas cosas y no en otras) sino porque la película expresa mi visión fotográfica bien Disparo digital de la misma manera: mi objetivo es mostrar e interpretar la realidad. Puedo usar filtración de color en películas en blanco y negro, y puedo usar lentes de gran angular en mi trabajo digital, pero las escenas que grabo siguen siendo realistas. Los reconocería como reales, pero podría obtener una nueva perspectiva de su realidad, si he logrado alcanzar mi visión. Si he fallado, es porque he manipulado mis imágenes hasta el punto de distracción.

¿Me estoy limitando? No lo creo. Elijo ignorar cientos de pasatiempos y diversiones potenciales porque me concentro en lo que me gusta y disfruto. Y además, la realidad es bastante interesante.

He estado leyendo mis números anteriores de una revista británica de fotografía en blanco y negro las últimas semanas. Las fotos más conmovedoras que he visto en ellas hasta ahora eran un conjunto de fotos de un bosque. He visto muchos árboles, pero estas fotos eran hermosas. También fueron realistas. El fotógrafo clavó absolutamente su visión, a mis ojos.

Estaba cansado de la precisión visual habitual, y cedí a la idea de que estar enfocado es tanto una ilusión como mis ojos con lentes corregidos. Ahora, al menos la mitad de mi vida la paso mirando el mundo con astigmatismo, porque las imágenes suaves me hacen sentir incómodo y tranquilo al mismo tiempo. Simplemente no puedo sentirme así por una imagen recopilada a partir de detalles precisos. Deja menos a mi imaginación y me da menos "sentimiento". Por supuesto, esta es mi propia experiencia y otros tienen sus propios métodos, pero pictorialismo, impresionismo, qué gran manera de hacer la pregunta "¿Cómo me hace sentir esto" sin todo el otro ... contexto.