Stieglitz y su foto, "The Steerage" son aclamados como geniales, no por su excelencia compositiva (al menos un aspecto de la composición es brillante, y algunas de las líneas en el marco pueden verse como una especie de "protocubismo" ¹) o los méritos técnicos de la foto. "The Steerage" es más significativo porque fue una de las primeras veces que se usó una fotografía para decir algo sobre la sociedad humana con intención artística, al mismo tiempo que presentaba la escena de la manera más realista posible en lugar de a) simplemente documentarla en gran parte sin comentarios o artísticamente intención ob) modificarlo significativamente para dar forma a un posible mensaje o intención artística.
La forma en que Stieglitz capturó la foto fue muy diferente de la forma en que los reconocidos por la comunidad artística como los mejores practicantes de la fotografía como arte en ese momento estaban haciendo las cosas. Los pocos fotógrafos artísticos que "tenían algo que decir" en 1907 generalmente usaban el estilo pictórico que usaba varios métodos para alterar el realismo de la escena para que se ajustara a su mensaje. Stieglitz mismo era un dibujante en ese momento, y solo publicó The Steerage en 1911 durante cuatro años después de tomar la foto cuando comenzó a alejarse del pictorialismo.
En lugar de intentar endulzar las cosas y hacer que se vean tan románticamente atractivas como era el caso del pictorialismo , Stieglitz intentó (y tuvo éxito con The Steerage ) mostrar las cosas de la manera más realista posible. Para tener un impacto emocional, Stieglitz dependía de que el espectador viera el contenido de la escena tal como era y entendiera algunos de los factores subyacentes que llevaron a que la escena apareciera de la manera en que lo hizo al mismo tiempo que reconocía algunos de los elementos artísticos más abstractos. de la escena y su significado.
El trazo compositivo del genio fue la forma en que Steiglitz encontró un ángulo que colocaba la pasarela vacía e inmaculada (sin usar durante todo el viaje, según Stieglitz) que conducía a la primera clase fuera de cámara como una barrera aparentemente impenetrable entre los fotografiados en dirección a la derecha y a continuación y aquellos (no representados) de lujo de primera clase a la izquierda y detrás de la cámara. Las fuertes líneas geométricas de la pasarela, el mástil, la botavara, la viga de cubierta, la entrada a la bodega y la empinada escalera a la izquierda sirven para confinar a los que se encuentran en la dirección. Entonces, aunque la foto en sí era una visión inalterada de la realidad, los elementos de esa realidad y la forma en que Steiglitz logró colocarlos en el marco tenían una gran importancia metafórica y simbólica desde un punto de vista artístico.
En el arte, a menudo hay dos tipos diferentes de obras maestras:
- Aquellos que abren nuevos caminos y crean una forma de comunicación que nunca antes se había hecho. Estos son los "primeros de su tipo" de obras maestras.
- Aquellos que se basan en el primero y alcanzan un pináculo absoluto de un estilo particular que lo perfecciona de tal manera que después de eso no hay ningún lugar más alto para que alguien más pueda ir.
Es muy raro que el mismo artista, mucho menos el mismo trabajo, haga ambas cosas.
Quizás el mejor ejemplo que me viene a la mente es el "estilo de tres dedos" de Earl Scruggs de tocar el banjo que nunca existió antes de que lo desarrollara, y que nadie lo haya superado después de él.
En contraste, cuando Miguel Ángel esculpió a David , logró la máxima expresión de la escultura renacentista que se había desarrollado durante siglos y llegó hasta las formas griegas clásicas por sus orígenes. Como dijo Giorgio Vasari sobre David , superó "todas las estatuas antiguas y modernas, griegas o latinas, que hayan existido". Después de David , no quedaba nada más que hacer que encontrar una dirección diferente en cuanto a la escultura de mármol. De ahí el desarrollo del manierismo , que favoreció la tensión compositiva y la inestabilidad en lugar de la proporción, el equilibrio y la belleza ideal del Alto Renacimiento.
El Steerage de Stieglitz es el primer tipo. Con él, introdujo una nueva forma de usar fotografías que eran muy realistas pero que, a través de su realismo cuidadosamente compuesto, lograban decir las cosas de manera simbólica y metafórica utilizando vocabulario artístico. Hay ejemplos mucho mejores, en términos de composición y destreza técnica, de lo que Stieglitz comenzó con The Steerage . Algunas de las obras de Weston, Adams y Lange vienen a la mente. Pero no hay muchos ejemplos anteriores, si es que hay alguno.
Hubo otros antes de Stieglitz y The Steerage que usaron fotografías para "contar historias". Jacob Riis ², quien es quizás un "abuelo" del fotoperiodismo moderno, "lo estaba haciendo ya en la década de 1880. Mathew Brady , quien documentó la Guerra Civil estadounidense a principios de la década de 1860, podría ser visto como uno de los "bisabuelos" del fotoperiodismo. Pero Brady y Riis no tenían aspiraciones para que sus fotos fueran vistas como "Arte".
Stieglitz, por otro lado, comenzó con intención artística y descubrió que podía enmarcar una foto "documental" para demostrar los elementos artísticos deseados. Stieglitz ' The Steerage fue revolucionario en que era una forma temprana de "protocubismo" al mismo tiempo que Picasso estaba experimentando con él utilizando medios más tradicionales, pero Stieglitz lo hizo a través de una foto realista, que nunca había Realmente se ha utilizado para crear arte de alto antes
¹ Después de haber visto The Steerage , el propio Pablo Picasso comentó: "Este fotógrafo está trabajando con el mismo espíritu que yo".
² Gracias al usuario BobT por recordarme a Riis.
³ Con razón o no, Henri Cartier-Bresson es considerado por muchos como el "padre" del fotoperiodismo moderno.
