¿Por qué es tan difícil pasar de un editor de ráster a un editor de vectores?

¿Por qué tanta gente lucha con el cambio de un editor de píxeles a un editor de vectores? O, ¿hay alguna investigación realizada sobre el tema? Especialmente, parece, en esa dirección. Parece que la dirección opuesta (editor de vector a imagen) no es tan doloroso.

¿Existen métodos conocidos, posiblemente investigados, para facilitar la migración? ¿Cómo haces que la transición sea lo menos dolorosa posible? ¿Hay algo que comúnmente se necesita desaprender para tener éxito?

No puedo hacer referencia a estudios duros. Solo algunos pensamientos subjetivos que se vuelven demasiado largos para un comentario.

Recientemente comencé a aprender / jugar con bolígrafos de tinta. Una experiencia bastante diferente, me siento mucho más cómodo con un pincel o un lápiz en la mano. Creo que pasar de la tinta a la pintura o de la pintura a la tinta tiene una barrera de aprendizaje similar. La tinta y el bolígrafo incluso hacen que el papel familiar se sienta diferente.

El formato de píxeles es muy natural para cualquier artista gráfico. Tiene un lienzo con ancho y alto, puedo configurarlo a las dimensiones de mi papel si lo desea. Puedo tener capas, que son como capas de papel. Dibujo una línea, los píxeles se colorean. Borro una línea, los píxeles se manchan o se empluman.

Formato vectorial, está en el nombre, utiliza puntos vectoriales. El artista dice: "oh, sí, vector, lo sé, esas cosas de las que hablaba mi profesor de matemáticas mientras dibujaba un burro". Para lograr una línea, necesito dos puntos vectoriales, que están unificados, con un trazo activado y completado. Desea una línea curva, fácil, los puntos vectoriales se convierten en puntos de control bezier. "Necesito una capa", solo agrúpelos, eso hace una capa, todo el activo es una serie de grupos / capas anidados ...

Mi punto es que, conceptualmente, el lápiz y el papel están mucho más cerca de los píxeles en el lienzo que de los vectores en el espacio relativo.

Personalmente, el ilustrador me pareció más emocionante, al poder crear esquemas simplificados, que serán nítidos en cualquier dispositivo, impresos en cualquier tamaño. Quizás si le estás enseñando a personas que están más interesadas en el arte conceptual, encontrarán al ilustrador aburrido. Lo cual es bastante justo.

Tuve este problema Cuando era estudiante y recién graduado, odiaba trabajar con vectores y hacía esencialmente todo mi trabajo creativo en Photoshop, cambiando de mala gana a Illustrator para "vectorizar" mi diseño completo y firmado para crear la obra de arte final. Conseguir un trabajo donde tenía que producir gráficos basados ​​en datos a corto plazo, donde trabajar en ráster nunca era una opción, me curó de mi mal hábito y me hizo enfrentar mis problemas con el vector, y ahora uso el vector para casi todo excepto la edición de fotos.

Para mí, se reducía a:

El vector tiene una curva más pronunciada porque el ráster hace más con menos variables

• En Photoshop, casi todo se reduce a manipular básicamente el color / valor, la fusión / opacidad y el estado seleccionado / enmascarado de píxeles en las capas. Casi todas las herramientas sofisticadas son básicamente variantes de estos tres tipos de variables. Una vez que haya entendido estas cosas, puede encontrar formas de hacer casi cualquier cosa con solo unas pocas herramientas y principios, y es relativamente fácil intuir y comprender qué tipo de herramientas podrían existir para facilitar las tareas complejas.
• Illustrator tiene muchos más tipos de partes móviles y muchas más variables que no son obvias o invisibles al principio. Es mucho más fácil estar completamente atascado en Illustrator porque ni siquiera sabe qué tipo de herramienta podría llevarlo a donde necesita ir. Aquí hay algunas cosas que me ayudaron:
  • La ventana de apariencia. Muchos cursos lo tratan como una función avanzada opcional. Creo que esto es un error. Poder ver una lista simple de lo que está sucediendo con cada objeto y poder editarlos todos en un solo lugar lo hizo sentir mucho más manejable y hace que el usuario se sienta más en control.
  • Trabajando con efectos y luego expandiéndolos para comprender cómo Illustrator realmente estaba pasando de A a B usando vectores. "¡Wow, esa mezcla no fue mágica, en realidad era solo una pila de mil rectángulos ligeramente diferentes! Oye, puedo tomar cualquiera de estos rectángulos y hacer cosas con ellos ..."

La falta de nitidez del vector lleva un tiempo acostumbrarse

Los degradados y los efectos se sienten como una herramienta increíblemente contundente cuando estás acostumbrado a la total libertad de las selecciones y pinceles con bordes difusos en las aplicaciones ráster.

Para mí, aprender a usar mallas de degradado y mezclas me ayudó, sobre todo porque descubrir que podía hacer cualquier tipo de efecto de mezcla elegante casi fotorrealista me ayudó a darme cuenta de que el 99% del tiempo no era necesario y me sentía discapacitado. y limitado de hacer algo que en realidad rara vez necesitaba hacer.

Fluidez

Estrechamente relacionado tanto con lo anterior. En Photoshop, trabajar se sentía fluido y natural, como dibujar o pintar. En Illustrator, sentía que tenía que planear estratégicamente una serie de operaciones y luego hacer clunk-clunk-clunk a través de ellas.

Parte de esto fue menos experiencia, pero algunas cosas que ayudaron incluyeron:

• Aprender que el dibujo a mano alzada es posible en Illustrator y, con pinceles artísticos sensibles a la presión, puede ser muy efectivo
• q, la herramienta de selección de lazo. Todos los diseñadores con los que he trabajado recientemente apenas lo han usado antes, luego comenzaron a usarlo regularmente después de algunas semanas trabajando conmigo. Dibujar un lazo de barrido alrededor de los puntos en la sección de la obra de arte en la que desea trabajar y luego manipularlos es mucho más rápido y se siente mucho más fluido que hacer clic en muchos puntos pequeños.

Precisión

Me había acostumbrado a la cuadrícula de píxeles como un simple absoluto en el que todo podía mantenerse preciso. Me resultó difícil adaptarme a Illustrator, donde todo podría estar apagado en cantidades casi infinitamente pequeñas.

Trabajar intensamente con la ventana Alinear (especialmente al darse cuenta de que se puede usar con puntos, no solo con objetos) y acostumbrarse a activar y desactivar la alineación inteligente desde el teclado sin pensarlo, y comprender la cuadrícula de píxeles de Illustrator (invisible, específico del objeto), me hizo apreciar que la falta de límites del vector es puramente bueno y que no necesitaba una grilla definitiva fija, arbitraria e inflexible.

Como aprender a nadar y moverse hacia el fondo de la piscina donde sus pies no pueden tocar el fondo, debe aprender que hay otras cosas que puede hacer: no necesita esa muleta.

Esto es solo una suposición.

¿Por qué alguien pensaría que es "lo mismo" en primer lugar?

Independientemente de que ambos estén relacionados con el diseño gráfico, los "dos" tienen una lógica diferente.

Y hay diferentes conceptos de editores de píxeles. Retoque fotográfico, pintura, "caja de efectos" con un clic. Por supuesto, es más fácil usar un cuadro de efecto de un clic que dibujar un dibujo técnico de precisión o una ilustración vectorial, pero personalmente me resulta bastante desafiante cómo usar Painter con mi wacom.

Pero pensemos que es así. Que los programas de píxeles son más fáciles de aprender, probablemente porque la pintura y el dibujo libre son más naturales. Los niños hacen eso todo el tiempo.

Mis dos centavos para aprender sobre cómo usar un programa vectorial son: Hacer pequeños ejercicios significativos con un objetivo en mente.

• Traza un logo. Bueno.

• Ahora dales sombras de "efectos", gradientes.

• Ahora transforma eso en un fondo de pantalla.

Si realiza pasos significativos con el objetivo en mente de tener un producto del que pueda sentirse orgulloso, sentirá el programa como una herramienta, no como un desafío o una molestia.

Lo mismo es cierto para un programa 3D, o andar en bicicleta.