¿Qué conceptos de diseño y arte discutieron los estudiantes / profesionales de arte en los años 70?

Me pregunto: si fueras [condicional, no estoy preguntando por personas que realmente estaban allí] un arte (o impresión, o publicidad, no estoy seguro de cuál sería el título en ese entonces) estudiante o profesional en los años 70, ¿de qué estaría hablando con sus compañeros / colegas?

No me refiero a qué estudiarías en clase, pero ¿qué considerarías asignaturas revolucionarias (y quizás un poco subversivas) en ese momento? ¿Cuáles fueron las tendencias, las nuevas ideas de las que hablaban las personas?

Podrían ser estudiantes de América o Europa. De hecho, estoy pensando en las universidades latinoamericanas, pero me doy cuenta de que podría ser demasiado específico. Y deben haber estado hablando de las mismas cosas, supongo.

Sé, por ejemplo, que los estudiantes de ciencias sociales estaban discutiendo mucho sobre Levi-Strauss. Lo que estaba prohibido en algunos países latinoamericanos, porque se consideraba 'peligroso'. Me imagino que tal vez los estudiantes de arte estaban hablando de ... ¿posmodernismo? ¿Feminismo? Realmente no lo sé y agradecería su ayuda.

No soy un experto, y no era estudiante en los años setenta, pero sí recuerdo algunos de los trastornos políticos, las corrientes y eventos sociales y culturales.

El diseño se informa, se desarrolla en conjunto con, o como reacción contra, la política y los acontecimientos en la sociedad en general.

Sí, definitivamente hubo una buena cantidad de estética hippy de los años sesenta en los setenta; para entonces se había vuelto más aceptado y más corriente. Los elementos psicodélicos que ya no son tan "peligrosos" y subversivos, la "paz y el amor" de la desobediencia civil y la protesta no violenta, con su estética orgánica de flores multicolores "tendrían que desaparecer": es inevitable que el péndulo político se balancee.

Años sesenta. Hippy-dippy:

Experimentó con técnicas de impresión en los años sesenta, y encontrará la locura de verter varios colores en el mismo color en prensas de impresión offset. El resultado final es que todo se vuelve marrón, pero puede imprimir una buena cantidad antes de que se mezclen los colores, y obtendrá un montón de carteles que son ligeramente diferentes. Es decir: no habría trama. No puedo encontrar ningún ejemplo, pero imagina que pones varios colores en esto:

Aunque hecho en 1967, el diseño del álbum de Milton Glasers Bob Dylan muestra un lenguaje visual ajustado. Mi punto es que el "hippie-como" el pelo es no en colores del hippy salvajes. Están silenciados La fuente y la silueta hablan de un contraste minimalista.

Hay una gran diferencia entre lo que podría llamarse diseño corporativo y corrientes subterráneas arraigadas en algún tipo de lenguaje visual ascendente. Si busca el "diseño de 1970" obtendrá una gran cantidad de lo que muchos vieron como efectos visuales de alto nivel, diseños para empresas y tecnología nueva y maravillosa. Todavía hay una buena cantidad de colores, pero no una gran cantidad de flores orgánicas. Se está moviendo hacia elementos más simples y gráficos. Compare el diseño de negocios con portadas de LP, carteles de conciertos, eventos culturales "de base", etc., hay una gran brecha.

Setenta. ¿Comprarías esto?

Y, por supuesto, está el controvertido arte de Andy Warhol, quien "descaradamente" comercializó el arte. Supongo que podrías llamarlo el maestro del diseño plano: D.

Aquí, Liza Minelli:

El descontento social y el conflicto de 1968 fue una reacción violenta a lo que se consideraba elites militar, capitalista y burocrático. Muchos gobiernos respondieron con una escalada de represión política y violencia física. La protesta pacífica no fue a ninguna parte. Hombre en la calle, anti-establecimiento. Guerra fría, guerra real, revoluciones, la caída del imperio británico, Mao murió. El mundo era grande, frío, peligroso y confuso. Robots, ciencia ficción, exploración espacial, guerra de las galaxias, distopías, manipulación genética; El mundo se estaba volviendo extraño. La esperanza de que el mundo pudiera ser mejor de lo que era, vaciló.

Enter punk

Cualquiera podría crear cualquier cosa. Cualquiera podría crear música. La tecnología estaba facilitando que más personas incursionen en el arte, la música y el diseño. El ejemplo clásico de esto es, por supuesto, Sex Pistols. Era desordenado, era hágalo usted mismo, era ruidoso (en todos los sentidos de la palabra). Tomaron símbolos venerados y los diseccionaron: la reina, la bandera, la religión, los políticos. La cuadrícula estaba realmente fuera de la ventana, las reglas y la consistencia eran para mariquitas. Si fuera sordo, eso sería una ventaja como cantante. The Clash fue criticado por ser demasiado "melódico", no punk "genuino". Clase alta.

Y aquí una obra de Andy Warhols sobre Marilyn Monroe:

El movimiento feminista en los años 70 tomó elementos del punk; Era el lenguaje visual de la protesta. Se centró en el cuerpo femenino, el derecho a la libertad sexual, la igualdad salarial y la solidaridad con las mujeres de todo el mundo.

Solidaridad con las mujeres vietnamitas durante la guerra de Vietnam:

Siendo estudiante en la década de 1970, creo que habría una brecha bastante grande y una guerra de trincheras entre el punk y el "buen gusto". La deconstrucción posmodernista (término que desprecio) y analítica chocó con la estética "callejera". Otros elementos serían la estética de la "máquina", el arte gráfico y la música de David Bowie y Pink Floyd serían ejemplos. Supongo que podríamos llamarlo surrealismo de la máquina (a diferencia del surrealismo orgánico hippy), humano-máquina y la reinvención de nuestra identidad a lo que somos y lo que creamos (es decir, la tecnología).

Vale la pena señalar que el movimiento punk se opuso por supuesto al comercialismo. A medida que los que forman parte del punk crecen y podemos venderles cosas, "su" lenguaje se vuelve más comercial, aunque en una versión más moderada. Cuál es el caso en muchos casos.

No estoy seguro si realmente respondí su pregunta, pero fue un intento de ponerla en un contexto histórico.

(el siguiente sería los años ochenta y el auge económico loco. Pero ahora es suficiente).

Por supuesto, los asuntos discutidos fueron muy subjetivos y diferirán considerablemente de los países que tienen antecedentes políticos tan divergentes como en los años 70.

Permítanme compartir mi recuerdo de los conceptos de diseño gráfico que pensé que eran geniales en Alemania cuando era un adolescente. Soy consciente de que esto inevitablemente es una visión bastante inclinada, estrecha y personal.

La mayoría de los diseños fueron fuertemente influenciados por las secuelas del movimiento hippie flower power de los años 60. Pero sus conceptos se consolidaron y comercializaron. Las drogas y su influencia en el estado mental dieron como resultado " Psicodelia ", que se transfirió a casi todas partes como películas, comerciales y música.

Pegatina psicodélica de 7 en adelante

Esto también se reflejó en las obras de arte gráficas para portadas de discos de vinilo que a menudo tenían el tema de un mundo surrealista fantástico:

Portada de Yessongs por Roger Dean

El surrealismo influyó mucho en esto, principalmente en las obras de Salvador Dalí o Yves Tanguy .

En general, las estructuras orgánicas redondeadas y los adornos florales reemplazaron el estilo minimalista de la Bauhaus , al menos en aquellas áreas que dicen ser jóvenes y modernas. Fuentes como Banana Split se pueden encontrar en todas partes.

La papelería a menudo estaba muy ornamentada, incluido el papel de escribir y los sobres.

Los principales diseñadores de los años setenta, como Lugi Colani, adaptaron estos elementos orgánicos a casi todo:

Diseño de camiones por Colani

El minimalismo de la Bauhaus, líneas geométricas claras no orgánicas todavía estaban presentes en los años 70. Sobrevivieron hasta hoy, pero para entonces se los consideraba "cuadrados" .